Joan Colom, fotógrafo catalán (1921-2017) no nació, exactamente, con una cámara debajo del brazo. Contable de profesión, aprendió fotografía de forma autodidacta y se colgó su primera Leika cuando ya contaba con 36 años. Lo que comenzó siendo una forma de evadirse de los quehaceres profesionales y familiares le acabó convirtiendo en uno de los mejores fotógrafos callejeros del siglo XX, un, como le gustaba denominarse a él mismo: “notario de la época”.

Pocos fotógrafos han logrado provocarme una impresión tan grande y por largo tiempo como los proyectos fotográficos de Eikoh Hosoe. Por esta razón voy a dedicarle una publicación separada de sus trabajos más representativos.
Hosoe ha entendido y explicado muy bien el resultado de la fotografía con la unión de la acción humana y mecánica fotográfica.

En los Países Bajos, donde vivo, la vida ha vuelto a su antigua rutina desde que se administró la tercera vacuna a principios de este año. Los holandeses valoran su libertad más que nadie y no temen ser vistos. No es exagerado decir que para ellos las máscaras han sido una crítica, o incluso un tabú, desde el punto álgido de la epidemia de corona, cuando era obligatorio llevarlas. Ahora es casi imposible ver a ningún lugareño con mascarilla. Ya no se informa del número de infectados en las noticias diarias...

El autorretrato tiene que ver con el ego y el narcisismo pero también con el autoconocimiento, la reflexión y el análisis crítico del cuerpo, la belleza y su expresión; el autorretrato facilita la construcción de la autoimagen mediante la autorepresentación, así como, el reconocimiento del impacto de la mirada de los demás en ese proceso.

La historia de la fotografía demuestra que la mayoría de sus procedimientos presentan una clara tendencia a su degradación. Y es que, tanto los negativos como los positivos y diapositivas nacen inevitablemente con fecha de caducidad. La vida de una fotografía en papel puede que no exceda de los 200 años como media (300 siendo optimistas, siempre que no se encuentre sometida a factores de degradación que aceleren su deterioro). Por este motivo, la medida por excelencia de preservación de nuestras fotografías familiares antiguas pasa por su digitalización y conservación en discos duros externos. Es conviene hacer copia de seguridad periódicamente para evitar la pérdida de las fotografías debido a la obsolescencia programada de estos discos duros, que suelen durar en torno a los diez años.

En muchas ocasiones te hemos hablado sobre el maravilloso micromundo en el que nos sumerge la fotografía macro. Como sabes, gracias a este género fotográfico podemos ver todo lo que nos rodea desde una perspectiva totalmente diferente y descubrir la gran belleza que reside en las cosas más pequeñas.
El problema es que no siempre disponemos de presupuesto para adquirir un objetivo macro. Hoy vamos a ver una de las opciones más baratas y sencillas de introducirse en la macrofotografía: las lentes de aproximación. ¡Quédate a probarlas conmigo!

En este artículo abordo, de forma simplificada, el revelado de las películas fotográficas negativas en blanco y negro; no en lo que se refiere al proceso en sí –a su rutina– sino tratando de buscar, de entender, las razones por las que, a partir de una misma referencia de película –marca y tipo– se pueden conseguir muy diferentes resultados estéticos, sobre todo en lo que se refiere a la granularidad, o grano aparente, visible...

La cámara oscura, cuyos principios la harán posible más tarde, ya pueden situarse en Aristóteles, cuando en un eclipse solar observa cómo se refleja en el suelo con toda nitidez la imagen del sol filtrada a través de las hojas de un platanero. Después, entre los siglos XI y XVI, muchos autores teorizan sobre su aplicación a la astronomía. En el Renacimiento es utilizada por los pintores para el estudio de la perspectiva, dotándola de una lente, para mayor precisión de la imagen invertida que ofrece. De esta forma la emplean Leonardo da Vinci,

El pie de la foto de Ralph Steiner (1899-1986) fotógrafo y director de cine experimental (director de fotografía con Robert Flaherty en 1922 con Nanuk el esquimal), plantea muchas dudas, al ubicar el momento de su captura en un periodo de tiempo muy amplio: 1950-1951. Aunque en sus datos de Wikipedia, esa foto está datada en 1944, y se la quiere imputar a Arthur Felig (alias Weegee), fotógrafo de calle en blanco y negro. Todo ello en la medida en que Steiner estaba más interesado en la serialidad de la técnica [...]

Haciendo un paralelismo con la literatura, podría decir que mi fotografía está muy cerca del realismo mágico. Empecé a leer a García Márquez y “Cien años de soledad” siendo adolescente. Me encanta cómo cuenta las cosas y la forma tan hermosa en la que construye sus mundos. De alguna manera, quiero hacer eso mismo en mi trabajo, no de igual manera, pero sí de la forma más similar posible.

En los últimos años Arnaud Montagard condujo miles de millas a lo largo de países americanos: Alabama, Mississippi, Luisiana, Texas, Pensilvania, Nuevo México y así sucesivamente se convirtieron en la base de la serie American Icons.
Al explorarlos, notó similitudes y signos que cuentan la misma historia de América, incluso si están esparcidos en estados muy diferentes.

Dice Anthony Hernández que, cuando tienes los ojos abiertos, ves la belleza en todas las cosas. Este artista nacido en Los Ángeles viene cultivando ese espíritu, el de la curiosidad por el entorno, desde que, de niño, prefería ir a la escuela caminando en lugar de coger el autobús, pero su labor fotográfica la inició en los setenta, tras padecer la guerra de Vietnam y ser testigo de nuestra fragilidad.

Jonathan Higbee (1981) es un fotógrafo estadounidense que se ha recorrido gran parte del territorio norteamericano pero que ha acabado desarrollando su fotografía en Nueva York. En su serie Coincidences nos encontramos con fotografías que llegan a parecer preparadas o, directamente surrealistas.

Las fotografías de Koen Wessing (Ámsterdam, 26 de enero de 1942 - Ámsterdam, 2 de febrero de 2011) cuentan las historias de conflictos en el mundo de posguerra: descolonización, violencia y brutalidad en América Latina, el colapso del bloque soviético, la guerra en Yugoslavia, el apartheid En Sudáfrica y el resurgimiento de China.

Manel Esclusa, uno de los creadores españoles con un universo iconográfico más personal y reconocible, comienza a realizar su serie La sombra en el paisaje en 2006 y, como hace en algunos de sus trabajos, regresa intermitentemente a ella en función de sus estados anímicos. Los fotógrafos utilizan a menudo el paisaje como territorio metafórico, pues tanto el paisaje natural como el urbano son susceptibles de devenir en escenarios emocionales, donde se transparenta el universo íntimo del autor.

Alex Webb no hace una fotografía de composiciones minimalistas ni mucho menos . Sus fotografías , al margen de sus colores saturados con una paleta amplia y sus sombras de un negro concentrado , resuelven las composiciones con muchos elementos que se estratifican en diferentes planos dotándolas de una gran profundidad.

El artista alemán El artista alemán Helmut Herzfelde fue uno de los primeros en utilizar fotomontajes como instrumento de sátira política. A principios del siglo XX, este diseñador gráfico, más conocido como John Heartfield, creaba collages parodiando al fue uno de los primeros en utilizar fotomontajes como instrumento de sátira política. A principios del siglo XX, este diseñador gráfico, más conocido como John Heartfield, creaba collages parodiando al nacionalsocialismo. Usaba el humor ácido para expresar sus ideas y concienciar a la sociedad.

Los clubes nocturnos en Rusia esconden a su juventud, misma que vive sin un poco de libertad y se rige bajo las reglas de una sociedad racista y violenta.
Ir a un rave puede ser el objetivo de casi cualquier puberto del mundo. A cierta edad, escuchamos a los amigos mayores o descubrimos navegando en Internet que vivir la experiencia redonda de asistir a una de estas fiestas resulta impactante, mágico y revelador. Además, todo chico cool debe ir al menos una vez a una fiesta de perdición, sólo así dirá que conoce realmente el mundo...

El término "Hooverville" se comenzó a utilizar a partir de 1929 durante la época de la Gran Depresión, para definir a los poblados de chabolas y asentamientos irregulares que comenzaron a construir las personas sin hogar en Estados Unidos.

Reuben Radding no lo hace a medias. Cuando era niño, se sumergió en el punk y la música rock (tal vez rebelándose contra sus padres de formación clásica). Como bajista, se lanzó a su música, y finalmente se hizo un nombre en la escena vanguardista del jazz. Luego, fascinado por la fotografía, comenzó a tomar fotos de, naturalmente, otros músicos.
Ahora, es probable que lo encuentres en la noche de karaoke en un bar de Brooklyn donde canta entusiastamente con músicos como Badda-Bing Crosby, Be-Bob Deluxe y H-Bomb. Y sí, él está tomando fotos.

Harald Hauswald nació en 1954 en la provincia sajona de Radebeul y es miembro fundador de la agencia OSTKREUZ. Después de un aprendizaje como fotógrafo, se trasladó a Berlín Este en 1977 y fue admitido en la Asociación de Artistas Visuales de la RDA (VBK).

Durante los últimos años 70 y principios de los 80, el sistema de metro de la ciudad de Nueva York era uno de los lugares más peligrosos que una persona podría ser. Por suerte para aquellos de nosotros que nunca tuvimos la oportunidad de verlo, el fotógrafo suizo Willy Spiller estaba allí, y la serie oscura y atmosférica de fotos que tomó ahora se conoce como Hell on Wheels.
Estas fotografías son un viaje alegre y conmovedor en la época pasada del sistema del metro de Nueva York.

La fotógrafa y exbiathlonista londinense Dominika Cuda ha reunido a campeones, bailarinas, jinetes y otros deportistas en un "atrevido" calendario con fines caritativos.

La primer fotografía conocida fué tomada en 1826 cuando la luz reaccionó a una sustancia particular conocida como Betún de Judea. Desde aquella foto tomada con luz natural, los fotógrafos han introducido luz artificial a la fotografía a través de todo tipo de formas diversas. En este post vamos a echar un vistazo a una breve historia del flash de la cámara, desde sus humildes comienzos con pólvora explosiva y metal ardiendo hasta las más recientes luces LED, para ver qué tan lejos se ha llegado. Original (en inglés) en: PetaPixel